El surrealismo es un movimiento que surgió a partir del dadaísmo en los años 1920 y que rompió los esquemas tradicionales de expresión del momento. Se trataba de sacar el subconsciente a flote, surge de la necesidad de manifestar la inconformidad por las normas. Era la forma de protesta que tenía el artista ante la decepción con su realidad. El cine surrealista es una de las vertientes de este movimiento artístico, es la libertad de expresión del subconsciente. Su precedente lo encontramos en el cine de vanguardia de carácter cubista y dadaísta, como el Ballet Mécanique de Fernand Lége que su fin pretende escandalizar y exterminar a la sociedad burguesa a la que consideran mezquina. Los cineastas llevan sus ideas por encima de la comprensión de las personas que no estaban acostumbradas a este tipo de realización. Los cineastas expresan de forma subjetiva lo que desean, lo que se encuentra dentro de sus mentes. Expresan sus ideas sin ataduras sociales y no limitan su creatividad a prejuicios sociales. El surrealismo es la imaginación como pauta a seguir, el hombre carece de límites.
La primera película surrealista fue La caracola y el clérigo de Germanine Dulac. La película muestra las alucinaciones eróticas de un sacerdote y su deseo sexual por la esposa de un general. En esta película se muestran todas las características de la representación cinematográfica surrealista.
Un año después se estrena Un perro andaluz de Luis Buñuel con la colaboración en el guión de Salvador Dalí. Este cortometraje de diecisiete minutos de duración trasgrede los esquemas narrativos del momento, lo que provoca un impacto moral por la agresividad de las imágenes.
Es una constante alusión al delirio y al sueño. La historia nació de la unión de los sueños de Dalí, que soñó con que tenía hormigas en su mano y Buñuel, que soñó como una navaja seccionaba un ojo a alguien. Buñuel describía así su película: “Para sumergir al espectador en un estado que permitiese la libre asociación de ideas era necesario producirle un choque traumático en el mismo comienzo del film, por eso lo empezamos con el plano del ojo seccionado, muy eficaz” aparte de ser de una mezcolanza de escenas que tenían los artistas en sus mentes, lo que al igual querían es hacer creer al público que realmente tiene algún significado esta película cuando prácticamente no trata de nada.
Más tarde este mismo director haría La edad de oro, en cuyo trasfondo podemos ver la revolución y cuestionamiento de las normas morales y sociales. La película trata de la rebelión de dos amantes que obligan a que su amor, pasional y sujeto sólo a sus propias normas, tenga que ser extinguido debido a los prejuicios y preceptos morales y sociales. En la película toca temas como la violencia, la iglesia y la dificultad de comunicación.
Otro director que igual sembró bases y se distinguió con su estilo sin igual y obra en el surrealismo es el chileno Alejandro Jodorowsky, el cual carecía sin duda de cualquier fortaleza directiva en el rubro actoral (En verdad las actuaciones en todos sus films son penosas y muy similares a una pastorela de primaria), sin embargo, refriéndose a esta corriente artística, tanto en la escritura y guion como en la proyección visual, es sin duda un maestro. Ya que las dos cintas (Una con cimentación narrativa western y la otra fantástica) guardan similitudes obvias en su tratamiento 100% simbolista hacia temas religiosos y la perdida de la espiritualidad en pro del materialismo, egocentrismo y/o búsqueda del poder. Tanto una como la otra, forjan a su protagonista como un errante que pasará por una transformación simplemente surrealista para una consecuente redención y valoración de sus actos (La figura y representación de Jesucristo es desvergonzadamente manifiesta). Aquellas son: El topo y La Montaña Sagrada. Plagadas de imágenes que le pueden quitar el sueño a cualquiera, tan bellas como grotescas, tan perfectamente simétricas como torpes en su ejecución directiva, el espectador siempre tendrá la sensación de querer voltear a otro lado sin éxito, pues la ambientación y puesta de escena de Jodorowsky es tan excéntrica y atrayente que nosotros mismos nos sentimos capaces de tener una propia percepción hacia la intimidad del autor, lo cual es tan inadecuado como absurdo, pues pareciera que sencillamente estamos viendo un sueño (O pesadilla) de Alejandro en el cine.
David Lynch…es un surrealista férrimo, Cabeza de Borrador usa bastante del hiper realismo del formato neorealista del cine europeo de los años cincuenta o sesenta … Lynch en esta película usa escenas lentas con personajes estáticos e hiper expresivos como en el cine mudo americano, además de usar un sutil sentido del humor en sus efectos especiales, como pueda ser la escena del pollo frito que se mueve…o como pueda ser en el mismo intríngulis de una de las dos partes del guión. Es una película en blanco y negro, y todo en ella es crudo, paradójico y sórdido, inclusive la banda sonora, que con sus ruidos estridentes resulta de lo más estresante. Además toda ella tiene un molde depresivo-futurista, mostrando un suburbio alojado en el ocaso de la época post industrial, e incluso el peinado del protagonista principal, demuestra cierta modernidad, rodeado sin embargo del arcaico futuro del modernismo de 1800, y al que Lynch lo trata como aislador de las personas entre ellas, que viene reflejado en la película, por la pared cercenado la ventana del protagonista, así como acusa a esta época futura, de un cierto poder social del propio poder, para manipular, las cabezas de las personas, convirtiéndolos simbólicamente, en lápices, con cabeza de borrador en su extremo superior.
LA ANIMACIÓN LE DIO EL PUNTO QUE FALTABA
Jan Švankmajer comienza a experimentar con el stop-motion descubriendo que con esta técnica no hay nada que no pueda hacer. Su imaginación es como un torbellino que no parece tener límites. Cualquier cosa puede ser posible en sus películas: hombres convertidos en máquinas dispensadoras, objetos cotidianos como una silla o un tenedor que adquieren vida propia ‒a veces no es fácil distinguir a los humanos de los objetos y viceversa–, seres que se van reconstruyendo a trozos, muñecas que se descomponen o que toman el té, criaturas monstruosas que parecen sacadas de las más oscuras pesadillas. Como se ve predomina el pesimismo, el horror, la transgresión, la repugnancia y la provocación, aunque Švankmajer no rechaza la sátira y la ironía, lo que desemboca en una suerte de humor negro con algunos toques de erotismo y de trascendentalismo filosófico, en un estilo muy particular que ha ido empapándose con el tiempo de lo underground.
Sin embargo, la más increíble criatura de cuantas ha creado Jan Švankmajer es el propio Švankmajer. La censura del régimen comunista interrumpió su producción cinematográfica hasta en dos ocasiones, pero la imaginación de Švankmajer es imparable. En realidad nunca ha dejado de crear. Su influencia ha sido decisiva en la obra de algunos de los cineastas menos convencionales, como Tim Burton o Terry Gillian. Sin embargo parecia ser que poco a poco este bellísina forma de expresión se ha vuelto en tinieblas,¿ una corriente que la cual ha terminado tal vez?.
El surrealismo fue un movimiento que aunque tuvo una corta duración o fue desapercibvido dejó una huella importante. En la actualidad muchas películas utilizan sus características, autores como Tim Burton, Lars Von Trier, por decir pocos… hacen que cada film tenga una pequeña marca surrealista, creó cimientos para poder hacer una comprensión más a fondo de lo abstracto, lo mórbido, lo bizarro, en fin…lo surrealista.
